Rayonismo, Cubo-Futurismo y Vorticismo
El rayonismo, el cubo-futurismo y el vorticismo son movimientos vanguardistas que surgieron en las primeras décadas del Siglo XX, entre los años 1909 y 1920 en Rusia y Gran Bretaña.
Los tres se caracterizan por tener un estilo abstracto y sus principales representantes son: Malevich, Larinov, Goncharoa y Lewis.
Estos movimientos surgen en una época en la que Rusia se encontraba en el auge de conflictos bélicos, desarrollándose la Primera Guerra Mundial entre 1914 y 1918 y la Revolución Soviética en octubre de 1917. Resultado de esto fue la chatura intelectual, la pobreza y el encasillamiento artístico contra los que reaccionaron, ya en 1905, Pablo Picasso y Georges Braque con sus exposiciones cubistas, y el futurismo que, en 1909, deslumbrado por los avances de la modernidad científica y tecnológica, lanza su primer manifiesto de apuesta al futuro y rechazo a todo lo anterior.
Así se dan los primeros pasos de las vanguardias, aunque el momento de explosión definitiva coincide, lógicamente, con la Primera Guerra Mundial, con la conciencia del absurdo sacrificio que significaba, y con la promesa de una vida diferente alentada por el triunfo de la revolución socialista en Rusia.
Los artistas de esta etapa comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista, con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, a menudo en formas abstractas como lo muestran estas tres vanguardias.
Buscaban innovación en la producción artística; se destacaban por la renovación radical en la forma y el contenido; exploraban la relación entre arte y vida; y buscaban reinventar el arte confrontando movimientos artísticos anteriores. Así comienza la lucha por la identidad en el arte...
R a y o n i s m o
El rayonismo es un movimiento artístico ruso que nació en el año 1909, siendo una de las primeras vanguardias. Como cualquier otro movimiento de vanguardia, el rayonismo cuenta con su propio manifiesto ideológico, el manifiesto rayonista de 1913, y es, en realidad, el último estado del futurismo.
Surgida en Moscú (1911-1912) por obra de Larionov y Goncharova. Se evidencia la voluntad de realizar un lenguaje abstracto, fuera del tiempo y del espacio, y el interés por representar la cuarta dimensión a través de rayos paralelos o con colores contrarios.
En 1909, Larionov expuso una obra no figurativa, Cristal (Museo Guggenheim, Nueva York), en la que esbozaba los principios del rayonismo. Su búsqueda continuó con la creación del grupo Valet de Carreau y con la exposición La cola de asno (1912). En 1913 publicó el manifiesto del movimiento, redactado por él mismo y firmado por numerosos artistas, entre ellos su compañera Natalia Goncharova; más tarde inauguró una exposición rayonista titulada El blanco.
Los cuadros de Larionov y de Goncharova presentan una abstracción a base de formas agudas entrecruzadas y sistemáticamente cortadas, que denotan un interés por movimientos como el cubismo, el futurismo o el orfismo. Sin embargo, el principio que defiende el rayonismo le es totalmente propio: basado en el descubrimiento científico de la radiactividad y de los rayos ultravioletas, propone plasmar la percepción de los rayos que emanan del objeto y la propagación rápida y simultánea de la luz. El color se convierte en el tema central de la obra; los rayos, dispuestos en la tela con longitud e intensidad variables, sugieren un universo irreal, regido únicamente por las leyes cromáticas y dinámicas. Sin embargo, gran número de pinturas rayonistas siguen siendo figurativas.
Propone la descomposición del tema en haces de líneas oblicuas, una especie de rayos de luz de diferentes tonalidades. Aspectos como la luz, el color, el tiempo, y el dinamismo son de gran importancia.
Los "rayos de colores", ordenados en rítmicas y dinámicas secuencias, construyen el espacio pictórico. El cuadro debe parecer que flota en el tiempo y en el espacio, gracias a rayos de colores paralelos y perpendiculares.
Es el rayonismo un importante foco de teoría artística al fundir en sus lienzos una estructura fundamentalmente cubista, con un sentido del movimiento propiamente futurista, siendo el conjunto de la obra totalmente abstracto al romper el tema en haces de líneas sesgadas.
De modo convencional, el rayo esta representado por una raya de color. La esencia de la pintura viene indicada por la combinación del color, por su maduración, por la relación con las otras masas cromáticas y por la intensidad con que la superficie este elaborada.
Sin embargo, gran número de pinturas rayonistas siguen siendo figurativas.
Este movimiento artístico cuenta con una gran herencia estética del futurismo, en lo que se refiere a los aspectos formales de la obra de arte, pero ideológicamente son diferentes.
"Aquello que tiene valor para cualquier verdadero amante de la pintura, en una obra "rayonista" se revela al máximo. Los objetos del mundo real no desempeñan papel alguno. Al mismo tiempo, lo que es la esencia de la misma pintura se revela mejor: la combinación de colores, su saturación, su textura..." (Larionov)
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| Paisaje Rayonista (Goncharova) |
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| Rayonismo Rojo (Larionov) |
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| Retrato de un Idiota (Larionov) |
C u b o - F u t u r i s m o
Término utilizado por Malevich para describir los temas rurales de carácter primitivista, introducidos por Gontcharova, y tratados al modo de las primeras obras tubulares de Léger.
Fue la principal escuela del Futurismo ruso, que impregnó el Cubismo desarrollado en la Rusia a partir de 1913, después que Aristarkh Lentulov volvió de París y expuso sus trabajos en Moscú.
Combina el uso cubista de las formas con el interés futurista por el dinamismo, velocidad e inquietud de la vida urbana moderna.
El estilo floreció como un movimiento en la pintura y la poesía hasta 1915 hasta mediados de la década de 1920.
Estos lienzos formaban parte de las exposiciones La cola del burro y la Diana (1912 - 1913), y están caracterizados por la presencia de formas cilíndricas iluminadas intensamente que servían para representar miembros y cuerpos; y donde el paisaje queda reducido a secuencias de planos angulares que proporcionan espacio tan sólo para las figuras principales. Al combinar a su vez elementos cubistas y futuristas, el futurismo ruso posee un aspecto distinto respecto al italiano, al otorgar mucha importancia a la expresión de la intensidad de la vida moderna y no solo aceptarlo como mera técnica. El afilador de cuchillos (1912), es ejemplo claro de esta técnica pictórica utilizada por Malevich.
En esta creación está ausente la voluntad de representar la velocidad, de remitimos específicamente al tema del movimiento todopoderoso. Se presenta un modelo espacio-temporal dominado, lo mismo que la máquina que maneja el hombre. Las líneas del movimiento no se expanden hacia el espacio en derredor. El hombre y su máquina aparecen como una fuerza que crea orden en un mundo desordenado. Los colores, con su asepsia metálica, se contrastan, lo mismo que se compensan las líneas unas a otras en su orientación. Se trata de un dinamismo equilibrado, que compone un mundo que pertenece al hombre; el hombre se ayuda de su máquina, pero no se rinde a ella. En Kazimir Malevich desarrolló el estilo, pero después lo abandonó por una forma de arte no objetivo - el Suprematismo.
La anatomía humana queda reducida a formas cilíndricas que reciben una intensa iluminación. El fondo se articula mediante planos que crean el espacio justo para situar figuras de grandes proporciones.
Combina velocidad y la inquietud de la vida moderna, pero en algunos aspectos superficiales. Incluye temas neo-primitivista de arte procedente popular y de arte de los niños.
Pasado el tiempo y asentada la Revolución estos movimientos de Vanguardia son desplazados por el Realismo Socialista que rescata la figuración más tradicional.
El arte cubo-futurista cuenta con colores brillantes, objetos fragmentados , incluyendo letras y palabras y un énfasis en el movimiento y la acción.
Los principales seguidores del movimiento fueron: Alexander Archipenko, Wladimir Baranoff-Rossine, Alexandra Ekster, Olga Rozanova, Wladimir Burliuk, Natalia Goncharova, Alexander Bogomazov y Sonia Terk.
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| El Ciclista (Goncharova) |
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| Un Ingles en Moscu (Malevich) |
V o r t i c i s m o
El Vorticismo fue un movimiento artístico británico de corta duración a principios del siglo XX. Se considera que es el único movimiento británico significativo de aquella época, pero duró menos de tres años.
El movimiento de vanguardia puede compararse al cubismo Frances y al futurismo de los italianos, sin embargo muestra diferencias que lo hacen distintivo. Así, mientras el futurismo se interesa en lo mecánico y las nuevas tecnologías del momento, y el cubismo se nutre de guitarras, periódicos, manzanas y la vida de café, los vorticistas miran fuera del café y observan la arquitectura que les rodea. También hay un punto de agresión o conflicto en la mayoría de obras vorticistas que no se da en el cubismo.
El vorticismo refleja una inquietud provocada por la ruptura de la perspectiva, como si la vida fuera vista a través de unas “lentes vorticistas” que distorsionan las líneas y las envía en diferentes direcciones, casi ninguna paralela a otra.
El grupo vorticista comenzó con el Rebel Art Centre que Wyndham Lewis y otros fundaron después de mostrarse en de acuerdo con Roger Fry, fundador de Omega Workshops, y hunde sus raíces en el Grupo de Bloomsbury, el cubismo, y el futurismo.
El estilo del grupo surgió a partir del cubismo, aunque tradicionalmente se ha relacionado con el futurismo, partiendo de premisas erróneas como el dinamismo (casi inexistente en los vorticistas, con la excepción de Nevinson --que se hizo futurista), la edad de la máquina (que los futuristas veneraban y de la que los vorticistas desconfiaban) y otros estilos abstractos (cubo-futurismo). Sin embargo, el vorticismo se apartaba del futurismo en la forma que intentaba captar el movimiento en una imagen. En la pintura vorticista la vida moderna se muestra como una disposición de líneas marcadas y colores discordantes llevando la mirada del espectador al centro del lienzo.
El nombre vorticismo fue acuñado por Ezra Pound en 1913, aunque Lewis, a quien normalmente se considera la figura central del movimiento, había creado cuadros del mismo estilo desde hacía ya un año con anterioridad. Deriva de vórtice, remolino o lugar donde nacen las emociones.
Además de Lewis, las principales figuras relacionadas con el movimiento fueron William Roberts, Edward Wadsworth, David Bomberg, Frederick Etchells, Cuthbert Hamilton, Lawrence Atkinson, CRW Nevinson, y los escultores Jacob Epstein y Henri Gaudier-Brzeska. Hubo dos artistas femeninas, Jessica Dismorr y Helen Saunders relacionadas con el grupo que en aquella época eran descritas como vorticistas, aunque se ha señalado que debido al sexismo del mundo artístico de aquella época, ninguna de las dos fue tomada en cuenta por la crítica. El fotógrafo Alvin Langdon-Coburn expuso Vortographes (vortografías) en Inglaterra (1917), fotografías de vanguardia que contribuyeron al desarrollo del formalismo y el modernismo en fotografía.
Generalmente se ve a Lewis como la figura central del movimiento. Una exposición de 1956 en la Tate Gallery se tituló Wyndham Lewis and the Vorticists, subrayando su destacado lugar dentro del movimiento. Esto enojó a otros miembros del grupo. David Bomberg y William Roberts protestaron fuertemente ante la afirmación de Lewis, que se imprimió en el catálogo de la exposición: «El vorticismo, de hecho, fue lo que yo, personalmente, hice, y dije, en una época determinada».
Los vorticistas publicaron un periódico, BLAST, que editaba Lewis y sirvió para dar a conocer las ideas y las obras del movimiento Contenía la obra de Ezra Pound y T. S. Eliot así como de los propios vorticistas. El carácter aventurero de su tipografía fue mencionado como uno de los principales precursores de la revolución en el diseño gráfico de los años veinte y treinta.
Los vorticistas publicaron un periódico, BLAST, que editaba Lewis y sirvió para dar a conocer las ideas y las obras del movimiento Contenía la obra de Ezra Pound y T. S. Eliot así como de los propios vorticistas. El carácter aventurero de su tipografía fue mencionado como uno de los principales precursores de la revolución en el diseño gráfico de los años veinte y treinta.
BLAST puede ser considerada en sí misma una obra de arte vorticista, por el tono agresivo e ingenioso de sus manifiestos, su tipografía y su intento de unir diferentes formas de arte bajo un solo estandarte.
Los vorticistas celebraron sólo una exposición, en 1915, en la Galería Doré. Después de ella el movimiento se rompió, en gran medida debido al comienzo de la Primera Guerra Mundial y la apatía del público hacia su obra. Gaudier-Brzeska murió en el servicio militar mientras que figuras destacadas como Epstein se distanciaron estilísticamente de Lewis. Intentos de reavivar el movimiento en los años 1920 con el nombre de Group X no tuvieron éxito.
Los Artistas más Famosos de estas vanguardias son:
Kazimir Malevich (11 de febrero de 1878 - 15 de mayo de 1935)
Fue un pintor ruso creador del Suprematismo, quien pensaba que su misión como artista era representar la naturaleza lo más objetivamente posible. En 1886 la familia se traslada a Kursk, donde el padre consigue un trabajo en el ferrocarril, allí Malevich encuentra algunos aficionados y amantes del arte con los que forma una asociación y un estudio cooperativo. Allí oye hablar de las Escuelas de San Petesburgo y Moscú. Siente la necesidad de formarse académicamente y va a Moscú en 1904. Su trabajo, en esta época, siempre pintura del natural, se hace cada vez más impresionista. Fue un período relativamente largo y estable, en el que su atención se centra en los estudios de paisajes, con composiciones sólidas, a pesar de la fragmentación, En conjunto, estos trabajos producen una impresión estática y extraña, lo que sería más adelante el contenido típico de Malevich, la expresión de sus ideas esencialesAl finalizar sus estudios, se ocupó de pintar cuadros de tipo impresionista para luego evolucionar hacia un estilo semejante al de Fernand Léger. En 1907 realiza su primera exposición, participando con dos dibujos en la XIV Muestra de la Asociación de Artistas de Moscú; entre los participantes se encuentran Natalia Goncharova, Wassily Kandinsky y Mikhail Larionov. En sus viajes, conoció el cubismo y el futurismo, que le inspiraron creaciones cubistas combinadas con la multiplicación de la imagen futurista. Pero Malevich deseaba instaurar la supremacía de la sensibilidad pura de las formas sencillas en las artes figurativas, y con tal objetivo fundó el movimiento suprematista, que se dio a conocer en 1915 a través de la obra Cuadrado negro sobre fondo blanco. A partir de entonces, alternó obras de una austeridad absoluta, como la serie negra, con otras de mayor animación colorística y más dinamismo y, en ocasiones, dotadas de cierta sensación de profundidad. Se plantea con el Suprematismo, la enorme tarea de recodificar el mundo. "Malévich dominó las condiciones de la existencia humana, de modo que pudo operar con un lenguaje cósmico para afirmar el orden global y las leyes generales del universo". El sistema fue construido en toda su complejidad. Malévich escribió: "Las claves del Suprematismo me están llevando a descubrir cosas fuera del conocimiento. Mis nuevos cuadros no sólo pertenecen al mundo". "Cuadrado Negro no sólo retó a un público que había perdido interés por las innovaciones artísticas, sino que hablaba como una forma nueva de búsqueda de Dios, el símbolo de una nueva religión" (Sarabianov).
En este período, al considerar que ya no podía llegar más lejos en sus investigaciones, abandonó la pintura para dedicarse a la enseñanza y a la escritura, para exponer sus ideas sobre el arte. Fue profesor en las academias de Moscú y Vitebsk, en la Escuela Nacional de Artes Aplicadas de Moscú, y dirigió el Instituto para el Estudio de la Cultura Artística de Leningrado. Simultáneamente, proyectó estructuras tridimensionales que ejercieron una gran influencia en el constructivismo soviético.
Natalia Goncharova (4 de junio de 1881 - 17 de octubre de 1962)
Prominente pintora rusa del cubo-futurismo, Hija de una familia de arquitectos acomodada, en su juventud pasó mucho tiempo en las tierras de la familia y allí se sintió atraída por las costumbres, trajes y artesanía de la vida rural y también por las leyendas que relacionaban al hombre con la naturaleza.
En 1901, ingresa en la “Escuela de Escultura, Pintura y Arquitectura” de Moscú, donde recibió formación de escultora pero al conocer a Mijail Larionov, optó por la pintura.
En 1908, junto a Larionov, organizan exposiciones de arte contemporáneo francés en las que se exponen obras de Gauguin, Van Gogh, Cézanne, Matisse y de diversos fauvistas. Más tarde Goncharova reconocería su deuda con el fauvismo que, según decía, le había hecho descubrir el arte folclórico y le ayudó a emanciparse del academicismo.
A partir de esa época Goncharova desarrolla un estilo muy personal, fruto de la asimilación de la pintura de iconos rusos y el arte asiático. Un estilo con figuras y espacios de marcada tendencia cubista, sencillo y que se centra en personajes de la vida cotidiana como campesinos y también en actividades del día a día.
En 1910, en el marco de la Sociedad de Estética Libre, al exponer dos cuadros de desnudos, dónde fue tachada su pintura de pornográfica y retirados sus lienzos de la exposición. También sus cuadros de motivos religiosos fueron acusados de blasfemos.
Goncharova y Larionov, indiferentes a las críticas continuaron organizando exposiciones y se rodearon de artistas influyentes. Sobre 1913 Natalia está en el apogeo de la fase futurista. Presenta obras “rayonistas”, asociando futurismo y cubismo y está cada vez más interesada en el arte folklórico y primitivo, a la vez que busca crear figuras capaces de mostrar la sociedad moderna e industrial.
Como líderes del Futurismo de Moscú, organizaron charlas provocativas al mismo modo que sus homólogos italianos. Goncharova también se dedicó al diseño gráfico, habiendo escrito e ilustrado un libro en estilo futurista, en 1915 comenzó a diseñar trajes de ballet y decorados, finalmente se trasladó a París en 1921 donde diseñó varios decorados para los Ballets Russes de Sergei Diaghilev.
En abril de 1938, dándose cuenta de la amenaza del nazismo, Goncharova y Larionov solicitan la nacionalización francesa. La plena ciudadanía francesa se le concedió a ambos el 8 de septiembre de 1938, que aseguró su vida, hogar, arte y trabajo en el futuro. Goncharova y Larionov sobrevivieron las penurias de la ocupación nazi de París durante la II Guerra Mundial. Sin embargo, la vida se volvió más difícil desde que su marido, sufrió un derrame cerebral. Goncharova lo visitaba a diario en la casa de reposo donde se estaba recuperando. Ella no tenía trabajo en ese momento, sólo comía un plato de sopa al día de una obra de caridad. En 1955, después de 55 años de vivir juntos, Goncharova y Larionov decidieron casarse. Su matrimonio hace un efecto inesperado, Larionov y experimentó una mejora milagrosa de su salud. En 1957, la nave espacial Sputnik fue lanzado, y Goncharova expresó su entusiasmo en la creación de una serie de óleos titulada "El espacio" en lienzos. En ese momento quedó inválida debido a la artritis, por lo que ya no podía levantar los brazos para pintar en el caballete. Igualmente pintó sentada en su cama con la tela plana en un taburete frente a ella. Estaba tan inspirada que continuó trabajando hasta su muerte, e hizo más de 20 lienzos nuevos.
Mijaíl Lariónov (3 de junio de 1881 - 10 de mayo de 1964)
Pintor ruso de corte vanguardista. En Moldavia transcurre su juventud, en casa de sus abuelos donde se impregna para siempre de la belleza natural de los paisajes que le rodean, belleza que tendrá un papel significativo en su arte. Se forma en el Instituto de Pintura, Escultura
y Arquitectura de Moscú, y gracias a un viaje realizado a París amplía sus conocimientos de la moderna pintura francesa; influido por la obra de Bonnard, Vuillard y el fauvismo, sus primeras obras muestran una versión rusa del postimpresionismo, que le conduce a la sublimación del color puro, tal y como se observa en las exposiciones del “Toisón de Oro”.
Con el tiempo desarrolla una forma de primitivismo culto que le conduce a la negación de los cánones académicos a favor de la crudeza y la violencia de colores y formas, observable en su serie de cuadros en torno a los temas Soldado y Prostituta.
En 1911 paralelamente, y en estrecha colaboración con su mujer Goncharova, desarrolla su propio equivalente del futurismo: el rayonismo. Con este movimiento intenta representar la carga emocional de los colores mezclando propuestas cubistas y futuristas, llegando a una pintura abstracta en la que textura y carga dinámica del color anuncian el constructivismo.
y Arquitectura de Moscú, y gracias a un viaje realizado a París amplía sus conocimientos de la moderna pintura francesa; influido por la obra de Bonnard, Vuillard y el fauvismo, sus primeras obras muestran una versión rusa del postimpresionismo, que le conduce a la sublimación del color puro, tal y como se observa en las exposiciones del “Toisón de Oro”.
Con el tiempo desarrolla una forma de primitivismo culto que le conduce a la negación de los cánones académicos a favor de la crudeza y la violencia de colores y formas, observable en su serie de cuadros en torno a los temas Soldado y Prostituta.
En 1911 paralelamente, y en estrecha colaboración con su mujer Goncharova, desarrolla su propio equivalente del futurismo: el rayonismo. Con este movimiento intenta representar la carga emocional de los colores mezclando propuestas cubistas y futuristas, llegando a una pintura abstracta en la que textura y carga dinámica del color anuncian el constructivismo.
En 1913 se publica el manifiesto El rayonismo, presentado en la exposición “El Blanco”. Lariónov produce entre 1914 y 1929 dibujos de vestuarios, decorados para las producciones teatrales de Sergéi Diágilev.
Goncharova y Lariónov trabajan juntos, se inspiran mutuamente, siguiendo a la vez caminos artísticos independientes.
Percy Wyndham Lewis (18 de noviembre de 1882 - 7 de marzo de 1957) fue un pintor y escritor inglés. Lewis, fue una de las figuras más controvertida del arte británico del siglo XX.
Nace en Nueva Escocia, Canadá, en el año 1882 en el ceno de una familia adinerada con la peculiaridad de nacer en un yate de su padre. Con poco menos de un año, abandonada la familia por el padre, regresa con su madre a Inglaterra. Acude a los mejores colegios, pero es un gandul. Con menos de veinte años, decide ver el mundo. Recala en París, la meca del arte, donde sus ojos se abren al mundo artístico. Se deja el cabello largo -"antes de la guerra tenía una cantidad indecente de pelo en la cabeza. Tenía como para tres hombres juntos. Cuando llegó la posguerra, apenas me quedaba pelo para uno solo"-, con raya en medio, un bigotillo seductor y se fotografía con chalina y cigarrillo en la comisura de los labios. El mito que busca ser ya tiene imagen.
Viajó a Alemania, pasó por España y trabajó como copista en el Museo del Prado. De nuevo en Francia, descubre la Bretaña y es allí donde Lewis vive sus primeras experiencias con la escritura, The wild body (El cuerpo salvaje), un libro de cuentos de temática muy dura. En él Lewis reflejó su lado oscuro. "Soy artista -si es que eso es una credencial-. Soy novelista, pintor, escultor, filósofo, dibujante, crítico, político, periodista, ensayista, panfletista, todo en uno, como esos hombres del Renacimiento italiano", escribe en su autobiografía Estallidos y bombardeos (Impedimenta), una de las pocas obras traducida al español, junto con su novela Dobles fondos (Alfaguara, 2005).
Su primera novela, Tarr, se publica por entregas en 1918, en la revista literaria The Egoist, casi al mismo tiempo que Retrato del artista adolescente, de James Joyce, su colega de copas en París, uno de los que formaban parte de la "generación arrogante y orgullosa" de antes del estallido de la Gran Guerra que destrozó cuerpos y almas. Mujeriego, casi un depredador, sólo se casó una vez pero mantuvo relaciones con muchas mujeres. Una de ellas, Irish Barrie, con la que tuvo dos hijos. Directora del departamento de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) durante veinte años, intentó echarle una mano cuando Lewis, durante la Segunda Guerra Mundial, viajó a Canadá huyendo de otra "orgía de sangre".
Siempre a la contra, Wyndham Lewis fue el azote de cuantos se cruzaron en su camino, ya fueran amigos o enemigos. Con los años cambió de aspecto y olvidada su buena cabellera ocultaba su cabeza, y casi su rostro, con un sombrero de ala ancha y se cubría con una larga capa negra que, a juzgar por las fotos de la época, le proporcionaba un aspecto como el personaje del anuncio del oporto Sandemans. "Él", afirma Fontán, "se hacía el estilismo como enemigo y como personaje".
Polemista y maldito, la obra de Lewis ha permanecido oculta durante años. En contadas ocasiones se han exhibido sus cuadros. En 1956, un año antes de su muerte, la Tate Britain le dedicó una antológica y unos aplausos que Lewis recibió medio ciego y en silla de ruedas.
CONCLUCIÓN
Básicamente los tres movimientos citados anteriormente (Vorticismo, Cubo futurismo y Rayonismo) tienen como antecedente al cubismo y al futurismo, ya que el contacto con estos movimientos europeos hace que éstas nueva vanguardias basen su forma en las anteriores. Sin embargo, van a modificar ciertos aspectos en los que no estén de acuerdo como es el caso particular del artista Lewis, representante del vortiscismo, el cual utiliza las propuestas estructurales del cubismo otorgándole mas vitalidad ya que a su entender el moviendo carece de ello.
Cada moviendo aporta desde su manifiesto al diseño grafico actual. El Rayonismo hace hincapié en el color. El rayonista debió aprender a utilizar las herramientas y materiales de producción moderna para poder aprovechar las variables que el color le otorgaba. A nuestro entender esto es muy importante a la hora de realizar comunicaciones visuales ya que según el tratamiento del color, el observador va a percibir diferentes sensaciones.
Por otro lado el Vorticismo aporta desde la creación del periódico Blast ya que este utiliza una tipografía aventurera para su época precursora de la revolución del diseño grafico creando una relación entre color y forma tipográfica.
Finalmente encontramos el Cubo futurismo el cual es el resultado del intento de plasmar el movimiento , contrastando los colores creando así un dinamismo equilibrado en este caso el color vuelve a tomar importancia siendo uno de los medios mas subjetivos con el que cuenta el diseñador. Las emociones, sensaciones, y en definitiva todo lo que los colores pueden llegar a expresar y hacer sentir al espectador forma parte fundamental de la base de un buen diseño.
